Cuando Woody Allen eligió las obras de Agustí Puig para atribuirlas al pintor que encarnaba Javier Bardem en su film Vicky Cristina Barcelona, el nombre del artista catalán se propagó rápidamente por los medios de comunicación y su popularidad trascendió más allá del especializado mundo del arte. El director de arte de esta película descubrió por azar en internet la pintura gestual y matérica característica de Puig y le pareció idónea para decorar el estudio del carismático Juan Antonio, el personaje de Bardem. Woody Allen adquiriría uno de esos lienzos al finalizar el rodaje. Sin menoscabar el relieve mediático que supuso esta participación para Agustí Puig, por entonces el artista ya contaba con un sólido recorrido jalonado de reconocimientos y celebraciones de exposiciones dentro y fuera de España. Su trabajo ocupa un lugar destacado en la colección de la Fundació Vila Casas. Su Museo Can Framis le dedicó en el 2014 una importante[ Leer más...]

Los drones se han convertido en una de las armas de guerra más poderosas. Accionados por control remoto por operadores ubicados a miles de kilómetros del escenario del conflicto, los drones llevan a cabo ataques aéreos que han dejado ya miles de víctimas mortales en países como Pakistán, Yemen o Somalia. La exposición Llega un grito a través del cielo explora las cada vez más invisibles tecnologías militares utilizadas en unas guerras que en gran parte se desarrollan con el máximo secretismo y al margen del control público. Esta exposición se centra en el impacto y el terror generados por los conflictos armados en los que se emplean drones, abordando además la ambigüedad ética y legal de los vehículos aéreos no tripulados (VANT), la vigilancia masiva y la «guerra a distancia». Y lo hace a través de los trabajos de artistas contemporáneos que critican la manera en que la tecnología y[ Leer más...]

Neus Pérez Romero despliega en su obra escultórica un juego de contrastes: entre la calidez biomórfica y la pieza minimal, entre el proceso artesanal y el acabado industrial, entre la inmersión psíquica y el distanciamiento emocional escudándose en un fino humor. Se sirve de metáforas visuales para explorar las relaciones de pareja como campos de batalla en la que ambos bandos tienen algo que perder. De esa pérdida, de la vulnerabilidad del ser que ama, de la fragilidad del deseo... hablan sus poéticas parábolas. Pero las dosis de ironía que inyecta en sus reflexiones sobre el desamor delatan la rebeldía de la autora ante tanto cliché fatalista, ante las tácticas de sumisión pero también ante las estrategias de poder, en definitiva, ante la rémora de ciertos roles sexuales. A menudo descarga en los títulos el énfasis cáustico, de modo que el tropo lingüístico añade una capa corrosiva a la figura retórica: Me mondo,[ Leer más...]

Diciembre de 2014.- La Fundación Focus-Abengoa hizo público el fallo de la trigésima primera edición del Premio Internacional de Pintura Focus-Abengoa, un galardón que este año ha merecido la obra Little Nemo in Secoland, de Óscar Seco. De las 27 obras seleccionadas, el jurado ha decido por unanimidad conceder el primer premio a la obra de Óscar Seco “que aborda una mitología personal inquietante, entretejida con paradojas visuales que ha logrado ensamblar con coherencia y habilidad pictórica capaz de integrar apropiaciones que recorren tanto la historia del arte como el mundo del cómic. De hecho, su “Little Nemo” le sirve de hilo conductor para otras obras que así componen un verdadero programa iconográfico”. Otras obras de esta misma serie se encuentran actualmente en Setdart subastas: Helí García ha recibido accésit por sus obras Naturaleza muerta con árbol Además el jurado ha distinguido con un accésit la obra de Helí García (artista que también[ Leer más...]

Desde la poesía sonora de Hugo Ball hasta los mesostics de John Cage, fueron sucediéndose las tentativas vanguardistas para liberar las palabras del lastre del significado, reivindicando su sonoridad per se, destruyendo la sintaxis mediante composiciones tipográficas azarosas, rompiendo la cadena normativa del lenguaje. Las demarcaciones entre el arte pictórico y las notaciones musicales se borran, el sonido se palpa, se objetualiza, nace la música concreta. La sinestesia invade la comprensión del arte: Isidore Isou (fundador del Letrismo) reivindica la letra en detrimento de la palabra como signo gráfico abierto al intercambio entre disciplinas; John Cage interpreta dibujos como si fueran partituras... En sus happenings, Cage puso en práctica su idea de “obra abierta”, en la que la mínima intervención del autor debía involucrar al espectador y en la que las pausas o silencios dejaban la puerta abierta a los sonidos de la vida diaria. La pieza musical absorbe así los sonidos cotidianos;[ Leer más...]

El reciclaje artístico es hoy una práctica extendida, sea como recurso ocasional de un escultor que echa mano de elementos usados para integrarlos a sus piezas, bien como opción conceptual vinculada al legado del objet trouvé duchampiano, o derivando hacia un tipo de arte ecológico emparentado con el legado de artistas pioneros en la reivindicación medioambiental (recuérdese la propuesta de Joseph Beuys de plantar 7000 robles en Documenta 7 de Kassel). En los últimos años han proliferado las revisiones de movimientos artísticos que asumieron el reciclaje como arma creativa y como advertencia ante las consecuencias del consumismo exacerbado. Podemos citar la exposición que Kunstmuseum Basel dedicara al Arte Povera el año pasado, o las retrospectivas realizadas sobre algunos de sus miembros en el Reina Sofía (Kounellis, Luciano Fabro...) En los años sesenta, varios artistas italianos emprendieron caminos afines en la reanudación de los vínculos entre el homo faber y el entorno natural.[ Leer más...]

El Museo Reina Sofía presenta en el Palacio de Velázquez (parque del Retiro) la primera gran antológica del artista italiano Luciano Fabro. Fue un exponente destacado del Arte Povera, un movimiento que en los años sesenta recurrió a materiales austeros como base de un concepto renovado del arte, sumamente poético a la par que crítico con la sociedad de consumo. A través de 60 obras, entre esculturas e instalaciones, la muestra recorre los principales temas y preocupaciones de un creador que tuvo una concepción ampliada de la escultura, integrándola en el espacio y estudiando las relaciones de las obras entre sí. Para Fabro, “el ambiente es fundamental y es algo que tiene que ver con el espacio, no sólo físico, sino también psíquico y mental”, señala Borja-Villel, el director del museo. Como otros artistas povera (siendo el caso de Kounellis), Fabro asumía un sentido clásico del arte sin dejar de ser rompedor: “tenía[ Leer más...]

Alba Pérez Primo incursiona en el género del retrato de modo similar a como lo hacían los artistas barrocos, haciendo del rostro espejo del alma, receptáculo del rapto emocional. Al ahondar en los abismos anímicos trasciende la peculiaridad de los rasgos individuales para revelar un estadio primario de puro arrebato. Ello la emparenta con los pintores seculares del pathos, recordándonos algunos de sus retratos la paz mística del anima beata de Bernini, pero otros son más afines al simbolismo espiritual de Gustave Moreau. Pues la artista dialoga con las distintas ramificaciones que la vena ascética ha  asumido en la historia de la representación. Incluso, reactualiza esta vertiente haciéndola entroncar con la mitificación de figuras fílmicas, cuya representación glamourosa y aurática las desplaza hacia un terreno sobrenatural. Su destreza técnica le permite flirtear de modo versátil con distintas corrientes artísticas que se han empecinado en atravesar la carne para desnudar el alma, y mostrar[ Leer más...]

Josephine Yardley-Thompson descompone la realidad en geometrías elementales, y éstas a su vez se desenhebran por efecto de la luz, el color, la atmósfera y, sobre todo, el tiempo. Porque esas imágenes conforman un álbum de la memoria, pero no apresan el recuerdo de experiencias sino de sensaciones: se trata de aquella memoria fugaz impresa en objetos banales, en calles anodinas, en rincones desangelados, en conchas marinas relamidas por las olas, en cuerpos que parecen evaporarse entre salinas. A menudo son impresiones de viajes, pero a Yardley-Thompson no le interesa la reproducción topográfica de una ciudad ni el apunte fidedigno de arquitectura mudéjar o una estampa exótica junto al mar. La figuración se somete a un juego cromático y matérico que comunica el carácter inaprensible del recuerdo. Acordes de color cambiantes insuflan movimiento a esos cuerpos transformados en huellas indelebles del pasado. El dibujo emerge entre texturas densas e irisadas que emborronan[ Leer más...]

Setdart les desea unas FELICES FIESTAS y un Feliz y Próspero 2015!! ¡Salud, felicidad y buenas adjudicaciones![ Leer más...]

Germán Piqueras sigue la estela de aquellos personajes artísticos, genios de la impostura, que transformaron su vida en obra, que hicieron del culto al Yo un arte. Pero en su caso no precisa ni siquiera haber llevado una vida exótica, extravagante o novelesca, como fuera el caso de Arthur Cravan y otros continuadores del dandismo. Piqueras es dado a entrevistarse a sí mismo, a alimentar su ficción promocional no sólo con éxitos, sino también con fracasos, al tiempo que construye su subjetividad a partir de confidencias reales y fabuladas. En su blog, la frase "no creo en los curriculums" precede la descripción lírica de unas pocas notas relativas a su formación académica e intereses profesionales. Piqueras ironiza sobre el poder que las herramientas digitales otorgan para dar fuelle al narcisismo exhibicionista. Creador polifacético, poeta, prosista, ilustrador de cómics, dibujante, pintor..., saca provecho del do it yourself propiciado por los nuevos medios[ Leer más...]

A pesar de la variedad de disciplinas artísticas de las que se sirve Diana Larrea, toda su obra viene cohesionada por su modo sutil de irrumpir en la realidad. En sus intervenciones urbanas, su visión lírica le permite transformar un lugar connotado con historias de suicidios en una parábola sobre el enamoramiento, o le lleva a insertar oasis de evasión en barrios suburbiales. Como un duende nocturno, embellece con azulejos de cerámica los nombres de las calles que  sufren la desidia municipal; camufla cartelas que simulan placas gubernamentales salvo por los mensajes que en ellas se leen, relativos al descontento ciudadano. Ensaya modos de reavivar el espacio público, llenándolo de voces o neutralizando la agresividad del mobiliario urbano con propuestas poéticas, como aquella serie fotográfica en la que las esferas de granito colocadas en las aceras se reorganizaban para emular la armonía cósmica. Desarrolla sus dibujos en consonancia con el resto de su[ Leer más...]

Al recurrir en sus pinturas a la fiesta popular, a la mascarada que engalana a falsos aristócratas, a la pompa de ceremonias inciertas..., Jabi Machado ofrece una interpretación carnavalesca del mundo. Mijail Bajtin, en su estudio sobre las fiestas medievales, apuntaba que durante el carnaval quedaba en suspensión la noción de tiempo histórico imponiéndose lo cíclico en un mundo alternativo en el que se invierten los valores. El sincretismo de costumbres, épocas y lugares que escenifica Machado mezclando el folclore castizo, el elemento tribal, el manga y Disney, pervirtiendo el atuendo papal con esvásticas, o vistiendo a los feriantes con trajes dieciochescos, amplía ese paréntesis de irrealidad o suspensión de la realidad del que habla Bajtin para aplicarlo a la totalidad de la existencia. En ocasiones construye fábulas paródicas con monos embutidos en trajes regionales o cerdos laureados con medallas. La farándula de postín se mantiene incólume en el transcurrir de los[ Leer más...]

Rafael Guerrero asume la posición de observador limítrofe, vadeando la realidad, como si oteara la ciudad desde una colina adyacente o mantuviera la vista adherida a la cuneta de un camino. Percibe los cambios de rasante desde los márgenes de la cotidianidad, desde los no-lugares de la contemporaneidad, repostado tras la ventanilla de un tren o de avión, o en la sala de embarque de un aeropuerto. Su vida errante le enseñó a llenar los tiempos muertos de la espera con narraciones fragmentarias, provistas de cierto elemento de suspense escondido tras la apariencia banal de los escenarios de tránsito. Los suyos son recortes de la apatía del viajero, del spleen interurbano, melancolía que él mismo redime ensayando relaciones inéditas con el espacio-tiempo. La elección de temas neutros, de por sí evasivos, junto al tratamiento sintético de la imagen propician cierta sensación de extravío y distanciamiento emocional. En ocasiones filtra en sus paisajes[ Leer más...]

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Cuerpos femeninos emergiendo de penumbras vaporosas, a modo de visiones que se escurren como fogonazos de voluptuosidad. Xavier Rosales trabaja el óleo superponiendo veladuras que diluyen los detalles anatómicos y confieren a las figuras la inconsistencia de las imágenes oníricas. Su esencia inasible acrecienta el magnetismo erótico que despiertan. Entes misteriosos y fugaces, alegorías del deseo envueltas en un halo atemporal, nos hacen ingresar en un terreno limítrofe entre el universo animado y el viviente, pues a menudo se asemejan a muñecas o maniquís que estuviesen cobrando vida. Nos adentra entonces en ambientes literarios afines a los de E.T.A. Hoffman y sus personajes enamorados de lánguidas autómatas. Pero en las grisallas de Rosales la belleza inquietante no llega a sucumbir al reino freudiano de lo siniestro. La balanza siempre se inclina a favor de una concupiscencia más espiritual que carnal, una sensualidad mórbida. Anna Adell  Xavier Rosales Ico, datos biográficos Xavier Rosales Ico (Barcelona, 1973)[ Leer más...]

Fabrizio Bianchini esgrime la pintura urbana como arma combativa frente a la degradación de los valores colectivos y la pérdida de cohesión social coligado al sentimiento de impotencia o soledad en el seno de una comunidad. Desarrolla dos líneas de trabajo que confluyen en esa voluntad de salvar lo salvable de las dinámicas gentrificadoras y del ciego trajinar en el flujo metropolitano. Tanto en intervenciones urbanas como en sus lienzos trata de rescatar lo singular, sea aquello que se esconde tras la máscara social o lo que por alguna razón pasó por alto la industria turística, la codicia especulativa. Encuentros fortuitos, vidas que se cruzan en un cambio de línea de metro, miradas de soslayo o desconfianza entre pandilleros, ociosos, oficinistas, vagabundos y turistas. Primeros planos y planos medios que recortan los cuerpos de los transeúntes, dejando en ocasiones sus cabezas fuera de campo. Encuadres espontáneos, como de instantánea fotográfica o como[ Leer más...]

Las pinturas de Canen García parecen vitrales de templos paganos en los que se despliegan narraciones folclóricas vinculadas a la tierra, a sus frutos, a su siembra, a su gente. Los cuerpos y los paisajes fragmentados mediante teselas de vistosos colores nos trasladan a los confines del tiempo, a lugares míticos anclados en costumbres ancestrales. Pero la fronda selvática y los llanos sembrados no son remansos idílicos. Nos transmiten sensaciones ambiguas propias de las visiones oníricas, como si el campo de espigas pudiera convertirse de repente en un ejército de afiladas lanzas, o donde el simple coleo de una res pueda hacer rodar cabezas humanas. El contraste entre la exuberancia de la naturaleza y la acritud de los tipos rurales nos transporta a ambientes literarios de autores como José Eustasio Rivera, en cuya novela La vorágine se inspira parte de la obra de Canen. Caciquismo, reyertas, tensiones entre colonos e indígenas... que[ Leer más...]

Marcello Castellani pone a desfilar rostros deshilachándose como si su piel tuviera la textura de un tejido de lana. Únicamente los ojos y la boca conservan cierta integridad. El resto sufre una transmutación que en ocasiones tiende a la animalización a modo de hombres-lobo, y en otras deriva en una disolución seudo-cibernética. Son retratos que de algún modo ponen en relación el legado de Giacometti (el drama existencial concentrado en un rostro) y el derrocamiento del ideal de identidad unitaria inferido de la revolución digital. Aquellas figuras en las que Giacometti descargó la búsqueda de algún sentido en los abismos de la soledad, formas humanas desenhebrándose en espirales, rayones y garabatos, resurgieron en el universo digital como promesas fallidas de llenar el vacío existencial con códigos reprogramables. Pero si el artista suizo consideró al cuerpo entidad encerrada en sí misma, hermética, ovillándose en los nudos de sus propias neurosis, en cambio parece[ Leer más...]

“Oración” sintetiza con una imagen subyugante el modo en que Joaquín Jara entiende el proceso creativo. El germen autobiográfico, el poso emocional que transpira la elección del material (los últimos troncos que cortara su padre antes de morir) confiere a la pieza una cadencia íntima de cariz sagrado y turbadora belleza. En ella se consuman los procesos de transfiguración matérico-espiritual que son el leitmotiv de su investigación artística. Esta obra fue fruto de procedimientos de limpieza, carbonización y oxidación cuidadosamente estudiados. Jara recuperó esos troncos que llevaban varios lustros almacenados junto al hogar, sometió la madera a un tratamiento para la carcoma y la talló con hacha para otorgarle forma de figura orante.  Utilizó después la técnica japonesa Shou Sugi Ban o Yakisung destinada a proteger la madera expuesta a las inclemencias del tiempo. La ejecución del busto con el rostro sembrado de hongos, todo ello en bronce, se prolongó más de un[ Leer más...]