¿Quiere saber más sobre diseño escandinavo?
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Algunos de los principales exponentes del mueble moderno o contemporáneo los encontramos en Escandinavia entre los años 40 y 70, con un estilo lleno de simplicidad y claridad. A finales ...de los 40, poco después de la Segunda Guerra Mundial, las condiciones en Dinamarca eran las ideales para el auge del diseño. Con la industrialización del país, la clase obrera empezó a prosperar y a reivindicar un hogar confortable y un mejor estilo de vida. Esta época de posguerra sirvió para establecer nuevos conceptos y responsabilidades sociales, el deber moral de contribuir a mejorar la vida de la familia media danesa y así se acuñó el término «diseño para todos».
En este entorno surgieron una generación de arquitectos y ebanistas que eran auténticos funcionalistas y que se dedicaron al diseño de muebles adaptados al cuerpo humano y al tamaño y necesidades básicas del nuevo hogar, muebles funcionales y asequibles para los daneses y los pequeños espacios en los que vivían. El trabajo de estos diseñadores, con una profunda y fuerte formación, se caracteriza por la innovación, con la utilización de líneas puras, ágiles y ligeras, en definitiva, minimalistas.[+] Show More
Algunos de los principales exponentes del mueble moderno o contemporáneo los encontramos en Escandinavia entre los años 40 y 70, con un estilo lleno de simplicidad y claridad. A finales ...de los 40, poco después de la Segunda Guerra Mundial, las condiciones en Dinamarca eran las ideales para el auge del diseño. Con la industrialización del país, la clase obrera empezó a prosperar y a reivindicar un hogar confortable y un mejor estilo de vida. Esta época de posguerra sirvió para establecer nuevos conceptos y responsabilidades sociales, el deber moral de contribuir a mejorar la vida de la familia media danesa y así se acuñó el término «diseño para todos».
En este entorno surgieron una generación de arquitectos y ebanistas que eran auténticos funcionalistas y que se dedicaron al diseño de muebles adaptados al cuerpo humano y al tamaño y necesidades básicas del nuevo hogar, muebles funcionales y asequibles para los daneses y los pequeños espacios en los que vivían. El trabajo de estos diseñadores, con una profunda y fuerte formación, se caracteriza por la innovación, con la utilización de líneas puras, ágiles y ligeras, en definitiva, minimalistas.[+] Show More
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Algunos de los principales exponentes del mueble moderno o contemporáneo los encontramos en Escandinavia entre los años 40 y 70, con un estilo lleno de simplicidad y claridad. A finales ...de los 40, poco después de la Segunda Guerra Mundial, las condiciones en Dinamarca eran las ideales para el auge del diseño. Con la industrialización del país, la clase obrera empezó a prosperar y a reivindicar un hogar confortable y un mejor estilo de vida. Esta época de posguerra sirvió para establecer nuevos conceptos y responsabilidades sociales, el deber moral de contribuir a mejorar la vida de la familia media danesa y así se acuñó el término «diseño para todos».
En este entorno surgieron una generación de arquitectos y ebanistas que eran auténticos funcionalistas y que se dedicaron al diseño de muebles adaptados al cuerpo humano y al tamaño y necesidades básicas del nuevo hogar, muebles funcionales y asequibles para los daneses y los pequeños espacios en los que vivían. El trabajo de estos diseñadores, con una profunda y fuerte formación, se caracteriza por la innovación, con la utilización de líneas puras, ágiles y ligeras, en definitiva, minimalistas.[+] Show More
Algunos de los principales exponentes del mueble moderno o contemporáneo los encontramos en Escandinavia entre los años 40 y 70, con un estilo lleno de simplicidad y claridad. A finales ...de los 40, poco después de la Segunda Guerra Mundial, las condiciones en Dinamarca eran las ideales para el auge del diseño. Con la industrialización del país, la clase obrera empezó a prosperar y a reivindicar un hogar confortable y un mejor estilo de vida. Esta época de posguerra sirvió para establecer nuevos conceptos y responsabilidades sociales, el deber moral de contribuir a mejorar la vida de la familia media danesa y así se acuñó el término «diseño para todos».
En este entorno surgieron una generación de arquitectos y ebanistas que eran auténticos funcionalistas y que se dedicaron al diseño de muebles adaptados al cuerpo humano y al tamaño y necesidades básicas del nuevo hogar, muebles funcionales y asequibles para los daneses y los pequeños espacios en los que vivían. El trabajo de estos diseñadores, con una profunda y fuerte formación, se caracteriza por la innovación, con la utilización de líneas puras, ágiles y ligeras, en definitiva, minimalistas.[+] Show More
Pere Cosp: del oficio al arte, de la tradición al genuino diseño
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El número 18 de la calle Fontanella, una discreta vía del ensanche barcelonés, acogía a principios del siglo XX un pequeño taller de marcos y dorados que ...en el curso de las décadas iría convirtiéndose en un enclave insoslayable para todo amante del mueble y la decoración.
Pere Cosp apenas había cumplido veinte años cuando, tomando las riendas del taller familiar, empezaba a ser solicitado por personalidades de la alta burguesía que querían redecorar sus casas. Por entonces, ya estaba reconduciendo la empresa hacia el interiorismo y la decoración integral. El joven inquieto, que había crecido entre tallas de mármol y espejos barrocos, entre molduras y dorados, había aprendido sobradamente el oficio. Pero ello no bastaba para el alma de artista que empezaba a despertar en él.[+] Show More
El número 18 de la calle Fontanella, una discreta vía del ensanche barcelonés, acogía a principios del siglo XX un pequeño taller de marcos y dorados que ...en el curso de las décadas iría convirtiéndose en un enclave insoslayable para todo amante del mueble y la decoración.
Pere Cosp apenas había cumplido veinte años cuando, tomando las riendas del taller familiar, empezaba a ser solicitado por personalidades de la alta burguesía que querían redecorar sus casas. Por entonces, ya estaba reconduciendo la empresa hacia el interiorismo y la decoración integral. El joven inquieto, que había crecido entre tallas de mármol y espejos barrocos, entre molduras y dorados, había aprendido sobradamente el oficio. Pero ello no bastaba para el alma de artista que empezaba a despertar en él.[+] Show More
Jaime tresserra con Setdart
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A partir de los años 80 y tras finalizar la carrera de derecho, Jaime Tresserra realiza sus primeras ...incursiones en el ámbito del diseño en Barcelona, una ciudad que por aquel entonces, empezaba a despuntar como referente del diseño y del interiorismo. En el año 1987 , y animado por sus clientes, crea su propia empresa J.Tresserra Design, cuya primera colección de muebles, presentada en la Feria Internacional de Valencia, le valió el premio al Mejor Diseño de Mueble Moderno . Este reconocimiento significó el punto de inflexión que lo cambiaria todo. El mueble con el que consiguió el galardón y que impulsó definitivamente su carrera fue esta extraordinaria pieza inspirada en los antiguos “secreteres” ingleses: el escritorio Secret Carpet
Desde entonces, sus muebles ensalzarán la belleza de unas formas que, sublimadas por un perfecto equilibrio entre la concepción artesanal realizada con materiales nobles, y la precisa ejecución de sus impecables acabados, desbordarán una sensibilidad especial enraizada a sus origen mediterráneos y cosmopolitas. En este sentido y bajo la convicción que “sólo los materiales nobles envejecen con nobleza”, la madera se convierte en el material por excelencia con el que Tresserra concebirá todas sus creaciones. De entre todas sus tipologías el nogal será, por su color y veteado, su madera predilecta, representando el 70% de las ventas de J. Tresserra Design.[+] Show More
A partir de los años 80 y tras finalizar la carrera de derecho, Jaime Tresserra realiza sus primeras ...incursiones en el ámbito del diseño en Barcelona, una ciudad que por aquel entonces, empezaba a despuntar como referente del diseño y del interiorismo. En el año 1987 , y animado por sus clientes, crea su propia empresa J.Tresserra Design, cuya primera colección de muebles, presentada en la Feria Internacional de Valencia, le valió el premio al Mejor Diseño de Mueble Moderno . Este reconocimiento significó el punto de inflexión que lo cambiaria todo. El mueble con el que consiguió el galardón y que impulsó definitivamente su carrera fue esta extraordinaria pieza inspirada en los antiguos “secreteres” ingleses: el escritorio Secret Carpet
Desde entonces, sus muebles ensalzarán la belleza de unas formas que, sublimadas por un perfecto equilibrio entre la concepción artesanal realizada con materiales nobles, y la precisa ejecución de sus impecables acabados, desbordarán una sensibilidad especial enraizada a sus origen mediterráneos y cosmopolitas. En este sentido y bajo la convicción que “sólo los materiales nobles envejecen con nobleza”, la madera se convierte en el material por excelencia con el que Tresserra concebirá todas sus creaciones. De entre todas sus tipologías el nogal será, por su color y veteado, su madera predilecta, representando el 70% de las ventas de J. Tresserra Design.[+] Show More
300 Obras de Arte en Subasta: El Legado del Palacio Villafranca
En SETDART, presentamos una subasta excepcional con más de 300 obras que abarcan desde el Renacimiento hasta nuestros días. Esta colección, custodiada durante dos generaciones en el icónico Palacio de ...los Marqueses de Villafranca, te transportará al Siglo de Oro, donde maestros como Goya, Rivera Giordano, y Cerezo cobran vida. No te pierdas la oportunidad de sumergirte en una época dorada del arte español.
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MARIANO FORTUNY MARSAL "La libélula". Roma, ca.1866-67.
Setdart.com - Final de subasta: 03 Octubre 2023
https://www.setdart.com/subasta/displayimage/pintura-siglo-xix/pid=351278468/newlang=spanish.html#!es
Esta pintura fue expuesta en el estudio de Federico de Madrazo en 1867. Fortuny pintó dos versiones, una para Gargollo y otra para ...su suegro Federico. Su hijo Mariano Fortuny de Madrazo pintó una copia que se conserva en el Museo Fortuny de Venecia.
Bibliografía: -Enciclopedia of painters and paintings 1887, vol II, n 20. -González López, C.Benito, C.Fortuny. Barcelona 1893, lam.19. pg. 87-88. - Catálogo "Fortuny" Fundació La Caixa 1989-1990 cat. 24. -Catálogo exposición "Fortuny", 1998, cat. 23 "Amor y erotismo en la pintura", pg. 37.
Exposiciones: -Fortuny, Artema, Barcelona 1974. - Fortuny, Barcelona, Madrid, Reus 1989-1990. Ibercaja, Zaragoza 29/9 al 20/12/1998.
Medidas: 65 x 43,5 cm.; 81 x 61 cm. (marco).
"La libélula" es una de las pinturas emblemáticas de Mariano Fortuny. Temáticamente anticipa en cierto modo los gustos modernistas aún por llegar. Con la imagen de una mariposa metamorfoseada en mujer, Fortuny alegoriza sobre el esplendor efímero de la belleza femenina. Como una ninfa alada, parece flotar en su condición etérea sobre arbustos y rosales. Su cuerpo flexible se inclina sobre un ramillete. Un tenue arrebol ilumina sus tersas carnaciones y un paño blanco cubre parcialmente su desnudez. Fortuny regaló este lienzo a su suegro Federico de Madrazo. Había realizado dos versiones de este cuadro, siendo esta que nos ocupa la más colorista y acabada, compaginándose en ella la pincelada vibrátil y libre con un exquisito gusto compositivo.
Fortuny inició su formación en la Escuela de Arte municipal de Reus, y en 1850 se traslada a Barcelona con su abuelo. Allí continúa sus estudios como discípulo de Domingo Talarn, e ingresa en la Escuela de Bellas Artes, donde tuvo como maestros a Pablo Milá, Claudio Lorenzale y Luis Rigalt. Asiste al mismo tiempo a la escuela privada de Lorenzale, lo que determinará su inclinación por la pintura romántica en esta primera etapa. En 1858 se instala en Roma gracias a una beca, y asiste a la Academia Chigi. Estando allí, la Diputación de Barcelona le propone viajar a Marruecos para pintar los encuentros bélicos que estaban teniendo lugar en la zona, lo que dará un giro total a su trayectoria. La luz de Marruecos y el exotismo del lugar y de sus gentes le llevan a interesarse por aspectos totalmente desconocidos en su producción anteriores. En 1860 visita Madrid, donde frecuenta el museo del Prado y se interesa por la obra de Velázquez y Goya. Poco después inicia un viaje por Europa, e finalmente regresa a Roma de forma definitiva. Asiste a las clases de la Academia de Bellas Artes de Francia en la Villa Médicis, y en 1861 visita Florencia y entra en contacto con los “macchiaioli”. Regresa a Marruecos en 1862, y se dedica a pintar temas costumbristas en los que capta el movimiento a través del color y de la luz. De vuelta en Roma sigue centrado en temas de ambientación orientalista. Poco después viaja a París y conoce a Adolphe Goupil, quien será su marchante desde 1866. Ese mismo año visita de nuevo Madrid y pasa por Toledo, donde descubre a El Greco. En 1867 expone en el estudio de Federico de Madrazo, quien se convierte ese mismo año en su suegro. Al año siguiente regresa a Roma, y en 1870 se consolida su fama a nivel internacional gracias a su exposición en la galería parisina de Goupil. Se instala en estos años en Granada, en la Fonda de los Siete Suelos de la Alambra, con la idea de afrontar nuevos temas con la mayor libertad que le otorga el éxito comercial y de crítica. No obstante, en 1872 se ve obligado a regresar a Roma, donde permanecerá ya hasta su muerte. Mariano Fortuny está representado en el Museo del Prado, la National Gallery de Londres, el Museo de la Hispanic Society de Nueva York, el Palacio Ruspoli en Roma.
MARIANO FORTUNY MARSAL (Reus, Tarragona, 1838 – Roma, 1874).
"La libélula". Roma, ca.1866-67.
Óleo sobre lienzo.
Reentelado.
Firmado en el ángulo inferior derecho.
Marco de madera tallada y dorada.
Procedencia: Colección Irueta Goyena, Sevilla.[+] Show More
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Esta pintura fue expuesta en el estudio de Federico de Madrazo en 1867. Fortuny pintó dos versiones, una para Gargollo y otra para ...su suegro Federico. Su hijo Mariano Fortuny de Madrazo pintó una copia que se conserva en el Museo Fortuny de Venecia.
Bibliografía: -Enciclopedia of painters and paintings 1887, vol II, n 20. -González López, C.Benito, C.Fortuny. Barcelona 1893, lam.19. pg. 87-88. - Catálogo "Fortuny" Fundació La Caixa 1989-1990 cat. 24. -Catálogo exposición "Fortuny", 1998, cat. 23 "Amor y erotismo en la pintura", pg. 37.
Exposiciones: -Fortuny, Artema, Barcelona 1974. - Fortuny, Barcelona, Madrid, Reus 1989-1990. Ibercaja, Zaragoza 29/9 al 20/12/1998.
Medidas: 65 x 43,5 cm.; 81 x 61 cm. (marco).
"La libélula" es una de las pinturas emblemáticas de Mariano Fortuny. Temáticamente anticipa en cierto modo los gustos modernistas aún por llegar. Con la imagen de una mariposa metamorfoseada en mujer, Fortuny alegoriza sobre el esplendor efímero de la belleza femenina. Como una ninfa alada, parece flotar en su condición etérea sobre arbustos y rosales. Su cuerpo flexible se inclina sobre un ramillete. Un tenue arrebol ilumina sus tersas carnaciones y un paño blanco cubre parcialmente su desnudez. Fortuny regaló este lienzo a su suegro Federico de Madrazo. Había realizado dos versiones de este cuadro, siendo esta que nos ocupa la más colorista y acabada, compaginándose en ella la pincelada vibrátil y libre con un exquisito gusto compositivo.
Fortuny inició su formación en la Escuela de Arte municipal de Reus, y en 1850 se traslada a Barcelona con su abuelo. Allí continúa sus estudios como discípulo de Domingo Talarn, e ingresa en la Escuela de Bellas Artes, donde tuvo como maestros a Pablo Milá, Claudio Lorenzale y Luis Rigalt. Asiste al mismo tiempo a la escuela privada de Lorenzale, lo que determinará su inclinación por la pintura romántica en esta primera etapa. En 1858 se instala en Roma gracias a una beca, y asiste a la Academia Chigi. Estando allí, la Diputación de Barcelona le propone viajar a Marruecos para pintar los encuentros bélicos que estaban teniendo lugar en la zona, lo que dará un giro total a su trayectoria. La luz de Marruecos y el exotismo del lugar y de sus gentes le llevan a interesarse por aspectos totalmente desconocidos en su producción anteriores. En 1860 visita Madrid, donde frecuenta el museo del Prado y se interesa por la obra de Velázquez y Goya. Poco después inicia un viaje por Europa, e finalmente regresa a Roma de forma definitiva. Asiste a las clases de la Academia de Bellas Artes de Francia en la Villa Médicis, y en 1861 visita Florencia y entra en contacto con los “macchiaioli”. Regresa a Marruecos en 1862, y se dedica a pintar temas costumbristas en los que capta el movimiento a través del color y de la luz. De vuelta en Roma sigue centrado en temas de ambientación orientalista. Poco después viaja a París y conoce a Adolphe Goupil, quien será su marchante desde 1866. Ese mismo año visita de nuevo Madrid y pasa por Toledo, donde descubre a El Greco. En 1867 expone en el estudio de Federico de Madrazo, quien se convierte ese mismo año en su suegro. Al año siguiente regresa a Roma, y en 1870 se consolida su fama a nivel internacional gracias a su exposición en la galería parisina de Goupil. Se instala en estos años en Granada, en la Fonda de los Siete Suelos de la Alambra, con la idea de afrontar nuevos temas con la mayor libertad que le otorga el éxito comercial y de crítica. No obstante, en 1872 se ve obligado a regresar a Roma, donde permanecerá ya hasta su muerte. Mariano Fortuny está representado en el Museo del Prado, la National Gallery de Londres, el Museo de la Hispanic Society de Nueva York, el Palacio Ruspoli en Roma.
MARIANO FORTUNY MARSAL (Reus, Tarragona, 1838 – Roma, 1874).
"La libélula". Roma, ca.1866-67.
Óleo sobre lienzo.
Reentelado.
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SOL LEWITT “Lines in all directions”
La serie “Lines in all directions” responde al proceso creativo de LeWitt en la década de los 90, cuando estudió de manera metódica y precisa el concepto de línea recta ...como componente gráfico fundamental de toda teoría humana. Desde el inicio de su carrera la geometría de la línea ha sido para Lewitt el eje vertebrador de su lenguaje. Fue utilizada en 1968 en su revolucionaria serie de pinturas murales realizadas en la Paula Cooper Gallery en Prince Street en SoHo, donde la línea se coronó como el componente básico de todo dibujo. Este proyecto mural, que repetía la secuencia de líneas verticales, horizontales y diagonales hasta conseguir un patrón, asentó las bases del denominado arte Conceptual (un novedoso movimiento que daba más importancia a la idea de una obra de arte que a su forma) del que LeWitt sería un claro abanderado, dejando atrás al Minimalismo imperante en ese momento.
Artista ligado a varios movimientos, entre ellos el arte conceptual y el minimal, Sol LeWitt se expresó principalmente a través de la pintura, el dibujo, la fotografía y las estructuras. Nacido en una familia judía de emigrantes rusos, tras recibir un BFA de la universidad de Syracuse en 1949 inicia una serie de viajes por Europa, donde recibe la influencia de los grandes maestros de la pintura. Instalado en Nueva York en los años cincuenta, centró su interés en el diseño gráfico, trabajando en la “Seventeen Magazine”. Durante la década siguiente el artista trabajará en el MoMA de Nueva York, otra experiencia que marcará el desarrollo de su obra. Por estos años, LeWitt se convertirá en uno de los principales representantes del arte conceptual, que subraya que la idea, y no su forma física, es lo fundamental. Fue uno de los pioneros de este movimiento, además de uno de sus más destacados teóricos, y su obra se ha relacionado también con el minimalismo. A partir de 1965 LeWitt será objeto de centenares de exposiciones individuales en museos y galerías de todo el mundo. Sus obras comprenden trabajos en dos y tres dimensiones, desde pinturas murales (más de mil doscientas) a fotografías, dibujos y esculturas de todo tipo, incluyendo torres, pirámides, formas geométricas y progresiones. Sol LeWitt utilizó con frecuencia estructuras abiertas y modulares basadas en el cubo, forma clave en el desarrollo de su lenguaje. En 1978, el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedicó su primera exposición retrospectiva. Actualmente LeWitt está representado en dicho museo, así como en los Guggenheim de Nueva York y Bilbao, el Kunstmuseum de Basel, el Palazzo Forti de Verona, el SMAK de Gante, la Tate Gallery de Londres, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden y la National Gallery de Washington, el Metropolitan de Nueva York y la National Gallery of Australia, entre muchos otros.
SOL LEWITT (Connecticut, 1928 – Nueva York, 2007).
“Lines in all directions”, 1993.
Gouache sobre papel.
Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho.
Medidas: 151 x 110 cm; 175 x 134 cm (marco).[+] Show More
Artista ligado a varios movimientos, entre ellos el arte conceptual y el minimal, Sol LeWitt se expresó principalmente a través de la pintura, el dibujo, la fotografía y las estructuras. Nacido en una familia judía de emigrantes rusos, tras recibir un BFA de la universidad de Syracuse en 1949 inicia una serie de viajes por Europa, donde recibe la influencia de los grandes maestros de la pintura. Instalado en Nueva York en los años cincuenta, centró su interés en el diseño gráfico, trabajando en la “Seventeen Magazine”. Durante la década siguiente el artista trabajará en el MoMA de Nueva York, otra experiencia que marcará el desarrollo de su obra. Por estos años, LeWitt se convertirá en uno de los principales representantes del arte conceptual, que subraya que la idea, y no su forma física, es lo fundamental. Fue uno de los pioneros de este movimiento, además de uno de sus más destacados teóricos, y su obra se ha relacionado también con el minimalismo. A partir de 1965 LeWitt será objeto de centenares de exposiciones individuales en museos y galerías de todo el mundo. Sus obras comprenden trabajos en dos y tres dimensiones, desde pinturas murales (más de mil doscientas) a fotografías, dibujos y esculturas de todo tipo, incluyendo torres, pirámides, formas geométricas y progresiones. Sol LeWitt utilizó con frecuencia estructuras abiertas y modulares basadas en el cubo, forma clave en el desarrollo de su lenguaje. En 1978, el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedicó su primera exposición retrospectiva. Actualmente LeWitt está representado en dicho museo, así como en los Guggenheim de Nueva York y Bilbao, el Kunstmuseum de Basel, el Palazzo Forti de Verona, el SMAK de Gante, la Tate Gallery de Londres, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden y la National Gallery de Washington, el Metropolitan de Nueva York y la National Gallery of Australia, entre muchos otros.
SOL LEWITT (Connecticut, 1928 – Nueva York, 2007).
“Lines in all directions”, 1993.
Gouache sobre papel.
Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho.
Medidas: 151 x 110 cm; 175 x 134 cm (marco).[+] Show More
Buda Amitayus, Tibet, siglo XVII-XVIII.
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Las figuras antropomórficas de Buda tienen su origen en el norte de la India y los actuales países de Afghanistan y Pakistan en ...el siglo I d.C. Durante los siglos posteriores, las representaciones de Buda y sus enseñanzas se esparcen en prácticamente cada cultura desde Afganistan hasta Japón y son objetos de contemplación, meditación y veneración en hogares y templos.
Las esculturas de Buda, realizadas en una infinidad de estilos y materiales, están cargadas con símbolos de sus enseñanzas de compasión y sabiduría: desde los pliegues de sus ropajes y el pecho descubierto, hasta los distintos gestos con las manos llamados mudras.[+] Show More
Las figuras antropomórficas de Buda tienen su origen en el norte de la India y los actuales países de Afghanistan y Pakistan en ...el siglo I d.C. Durante los siglos posteriores, las representaciones de Buda y sus enseñanzas se esparcen en prácticamente cada cultura desde Afganistan hasta Japón y son objetos de contemplación, meditación y veneración en hogares y templos.
Las esculturas de Buda, realizadas en una infinidad de estilos y materiales, están cargadas con símbolos de sus enseñanzas de compasión y sabiduría: desde los pliegues de sus ropajes y el pecho descubierto, hasta los distintos gestos con las manos llamados mudras.[+] Show More
El camino hacia la modernidad, colección privada.
Subasta 25 de junio
https://www.setdart.com/subasta/thumbnails/meta=250624coleccion/page=1/
La colección privada que subastamos el próximo 25 de julio nos permite trazar un recorrido por las transformaciones que desde finales del siglo XIX hasta mediados del ...siglo pasado marcaron la evolución del arte.
Sin duda la producción de este singular periodo dio luz a una progresiva ruptura con las convenciones academicistas // para emprender el camino hacia la libertad creativa que proclamó la modernidad.
Desde el profuso detallismo y minuciosidad que caracterizó la pintura preciosista de la etapa italiana de artistas como Baldomero Galofre, avanzamos hacia una pintura dominada por la mancha y la pincelada suelta, de artistas que, como Mir, se vieron profundamente influenciados por el impresionismo.
Otra de las tendencias estéticas, que como el Noucentisme, marcaron el arte de finales de siglo XIX, transluce en obras, que como la de Mariano Andreu, se revisten de un clasicismo moderno de índole mediterránea.
Entrados ya en el siglo XX, la irrupción de las vanguardias revolucionó por completo la escena artística. Como capital mundial del arte, Paris supuso un atractivo irrenunciable para multitud de artistas de todas las nacionalidades, los cuales llegaron a la capital francesa en búsqueda de nuevos estímulos. Entre ellos cabe destacar la amplia nómina de artistas españoles que, como Miró, llegaron a Paris huyendo de las prácticas artísticas de una sociedad finisecular anclada en el pasado.
Ya en la década de los años 20 y 30 se produce la que sería la segunda ola de artistas españoles instalados en Paris, entre los que destacan figuras de la talla de Hernando Viñes, Gomez de la Serna, Oscar Domínguez, Francisco Bores, o Manuel Ángeles Ortiz, los cuales conformaron la llamada Escuela Española de Paris.
Lejos de ser un grupo artísticamente homogéneo, esta escuela es el resultado de una suma de personalidades y trayectorias artísticas cuyo denominador común, lo encontramos en la investigación, experimentación y asimilación de los múltiples y novedosos contextos artísticos que las vanguardias históricas les brindaron.
Descubre y admira la colección al completo en nuestra sala de Setdart Barcelona.[+] Show More
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La colección privada que subastamos el próximo 25 de julio nos permite trazar un recorrido por las transformaciones que desde finales del siglo XIX hasta mediados del ...siglo pasado marcaron la evolución del arte.
Sin duda la producción de este singular periodo dio luz a una progresiva ruptura con las convenciones academicistas // para emprender el camino hacia la libertad creativa que proclamó la modernidad.
Desde el profuso detallismo y minuciosidad que caracterizó la pintura preciosista de la etapa italiana de artistas como Baldomero Galofre, avanzamos hacia una pintura dominada por la mancha y la pincelada suelta, de artistas que, como Mir, se vieron profundamente influenciados por el impresionismo.
Otra de las tendencias estéticas, que como el Noucentisme, marcaron el arte de finales de siglo XIX, transluce en obras, que como la de Mariano Andreu, se revisten de un clasicismo moderno de índole mediterránea.
Entrados ya en el siglo XX, la irrupción de las vanguardias revolucionó por completo la escena artística. Como capital mundial del arte, Paris supuso un atractivo irrenunciable para multitud de artistas de todas las nacionalidades, los cuales llegaron a la capital francesa en búsqueda de nuevos estímulos. Entre ellos cabe destacar la amplia nómina de artistas españoles que, como Miró, llegaron a Paris huyendo de las prácticas artísticas de una sociedad finisecular anclada en el pasado.
Ya en la década de los años 20 y 30 se produce la que sería la segunda ola de artistas españoles instalados en Paris, entre los que destacan figuras de la talla de Hernando Viñes, Gomez de la Serna, Oscar Domínguez, Francisco Bores, o Manuel Ángeles Ortiz, los cuales conformaron la llamada Escuela Española de Paris.
Lejos de ser un grupo artísticamente homogéneo, esta escuela es el resultado de una suma de personalidades y trayectorias artísticas cuyo denominador común, lo encontramos en la investigación, experimentación y asimilación de los múltiples y novedosos contextos artísticos que las vanguardias históricas les brindaron.
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Albert Gleizes "Lumiere Jeune", 1933.
Subasta 25 de junio
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"Luz joven" es el título de esta importante obra de Albert Gleizes, perteneciente a su etapa de madurez. La luz es el gran tema de este artista, ...que en una ocasión escribió: "el problema de la luz es un problema de fe. Porque la luz no es concreta sino perfectamente metafísica, inefable". El artista llevó los experimentos cubistas más allá de la descomposición de las formas y los objetos en planos geométricos, al considerar que el espacio, el tiempo y la luz eran uno y lo mismo. Esta integración entre la realidad material y la inmaterial queda plasmado en "Luz joven" (Lumiere jeune), título que alude al sol naciente y también a la apertura del espectro cromático de un arco iris. Los círculos evocan la idea de lo absoluto, emitiendo ondas concéntricas sobre un bodegón que recibe los primeros rayos del amanecer.
Durante sus primeros años, Gleizes trabaja en el estudio de diseño industrial de su padre en París. Finalmente, tras completar la enseñanza secundaria, pasó cuatro años en el ejército y luego inició su carrera como pintor, haciendo en un principio paisajes. Sus primeras obras se enmarcan en el impresionismo, con obras como “La Seine à Asnières”, exhibida en la Sociedad Nacional de las Bellas Artes en 1902. Al año siguiente participó en el primer Salón de Otoño de París, y pronto entró en contacto con Fernand Léger, Robert Delaunay, Jean Metzinger y Heri Le Fauconnier. En 1910 se integró en el cubismo, del que fue uno de sus primeros y más importantes teóricos, junto a Metzinger. Ese mismo año expuso en el Salón de los Independientes. Tres años más tarde participó en la colectiva del Armory Show, en Nueva York. Durante la guerra se alistó de nuevo en el ejército, y tras la contienda se trasladó a Nueva York. También viajará a Barcelona y las Bermudas, y en 1916 celebró su primera exposición individual en las Galerías Dalmau de la ciudad condal. Dos años más tarde lo encontramos plenamente comprometido en la búsqueda de los valores espirituales, que se verá reflejada tanto en su pintura como en sus textos. En 1927 funda en Sablons Moly-Sabata, una comunidad utópica de artistas y artesanos, en cierto modo continuación de la Abbaye de Créteil que había formado, junto a otros artistas y escritores, a las afueras de París en 1906. En 1931, Gleizes participó en el comité de Abstraction-Création que actuó como un foro para el arte no figurativo internacional. Para entonces, su obra refleja el fortalecimiento de sus convicciones religiosas y en 1932, en su libro “La Forme et l’histoire” examina el arte celta, románico y oriental. Durante estos años impartirá conferencias en Polonia y Alemania, y será contratado para realizar unos murales para la Exposición Universal de París de 1937. Ya casi una década más tarde, entre 1949 y 1950, trabajará en las ilustraciones para el libro de Blaise Pascal “Pensées sur l’homme et Dieu”. En 1951 Gleizes fue nombrado jurado del Premio de Roma, y el gobierno francés le otorgó la Legión de Honor. Considerado gran renovador del arte religioso, en 1951 realizó su última gran obra, un fresco titulado “Eucharist” que pintó para la capilla jesuita en Chantilly. Albert Gleizes está actualmente representado en los Museos Guggenheim de Venecia y Nueva York, el Centro Georges Pompidou de París, la Albright-Knox Gallery de Buffalo, el MoMA y el Metropolitan de Nueva York, el Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio, el Reina Sofía de Madrid, la Tate Gallery y el Thyssen-Bornemisza, entre otras colecciones de todo el mundo.[+] Show More
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"Luz joven" es el título de esta importante obra de Albert Gleizes, perteneciente a su etapa de madurez. La luz es el gran tema de este artista, ...que en una ocasión escribió: "el problema de la luz es un problema de fe. Porque la luz no es concreta sino perfectamente metafísica, inefable". El artista llevó los experimentos cubistas más allá de la descomposición de las formas y los objetos en planos geométricos, al considerar que el espacio, el tiempo y la luz eran uno y lo mismo. Esta integración entre la realidad material y la inmaterial queda plasmado en "Luz joven" (Lumiere jeune), título que alude al sol naciente y también a la apertura del espectro cromático de un arco iris. Los círculos evocan la idea de lo absoluto, emitiendo ondas concéntricas sobre un bodegón que recibe los primeros rayos del amanecer.
Durante sus primeros años, Gleizes trabaja en el estudio de diseño industrial de su padre en París. Finalmente, tras completar la enseñanza secundaria, pasó cuatro años en el ejército y luego inició su carrera como pintor, haciendo en un principio paisajes. Sus primeras obras se enmarcan en el impresionismo, con obras como “La Seine à Asnières”, exhibida en la Sociedad Nacional de las Bellas Artes en 1902. Al año siguiente participó en el primer Salón de Otoño de París, y pronto entró en contacto con Fernand Léger, Robert Delaunay, Jean Metzinger y Heri Le Fauconnier. En 1910 se integró en el cubismo, del que fue uno de sus primeros y más importantes teóricos, junto a Metzinger. Ese mismo año expuso en el Salón de los Independientes. Tres años más tarde participó en la colectiva del Armory Show, en Nueva York. Durante la guerra se alistó de nuevo en el ejército, y tras la contienda se trasladó a Nueva York. También viajará a Barcelona y las Bermudas, y en 1916 celebró su primera exposición individual en las Galerías Dalmau de la ciudad condal. Dos años más tarde lo encontramos plenamente comprometido en la búsqueda de los valores espirituales, que se verá reflejada tanto en su pintura como en sus textos. En 1927 funda en Sablons Moly-Sabata, una comunidad utópica de artistas y artesanos, en cierto modo continuación de la Abbaye de Créteil que había formado, junto a otros artistas y escritores, a las afueras de París en 1906. En 1931, Gleizes participó en el comité de Abstraction-Création que actuó como un foro para el arte no figurativo internacional. Para entonces, su obra refleja el fortalecimiento de sus convicciones religiosas y en 1932, en su libro “La Forme et l’histoire” examina el arte celta, románico y oriental. Durante estos años impartirá conferencias en Polonia y Alemania, y será contratado para realizar unos murales para la Exposición Universal de París de 1937. Ya casi una década más tarde, entre 1949 y 1950, trabajará en las ilustraciones para el libro de Blaise Pascal “Pensées sur l’homme et Dieu”. En 1951 Gleizes fue nombrado jurado del Premio de Roma, y el gobierno francés le otorgó la Legión de Honor. Considerado gran renovador del arte religioso, en 1951 realizó su última gran obra, un fresco titulado “Eucharist” que pintó para la capilla jesuita en Chantilly. Albert Gleizes está actualmente representado en los Museos Guggenheim de Venecia y Nueva York, el Centro Georges Pompidou de París, la Albright-Knox Gallery de Buffalo, el MoMA y el Metropolitan de Nueva York, el Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio, el Reina Sofía de Madrid, la Tate Gallery y el Thyssen-Bornemisza, entre otras colecciones de todo el mundo.[+] Show More
FERNANDO ZÓBEL “Los hocinos" 1979.
Subasta 13 de junio
https://www.setdart.com/subasta/displayimage/pintura-siglo-xx/pid=351360605.html
En el año 1971 Fernando Zóbel inició un prolífico camino cuyo protagonista indiscutible el paraje natural de Cuenca, y más en detalle las hoces del río Huecar ...y el rio Júcar. Su investigación se extendió durante toda una década, convirtiéndose en un tema recurrente de su pintura, hasta poco antes de su muerte. El artista divisaba este paisaje natural, en todos sus contextos y durante todas las estaciones, captando sus impresiones contemplativas a través del uso de fotografías, acuarelas y bocetos, a partir de los cuales iniciaba obras de mayor envergadura. En esta obra, donde Zóbel inmortalizada "Los hocinos", destaca el uso de los reflejos, y la armonía cromática fundamentada en una gama suave y vaporosa, complementada con elementos lineales, que conforman las dimensiones y el espacio pictórico. Partiendo de una realidad material del paisaje hacia una concepción abstracta del mismo, donde se dan cita elementos dispares como lo ficticio y lo real, o lo pictórico y pictográfico, conformando así una obra de un gran contenido lirico.
Historiador, mecenas, profesor de Universidad o coleccionista, son algunos de los adjetivos correspondientes con la figura de Fernando Zóbel, uno de los pintores más destacados del siglo XX español. La formación y cultivo de su personalidad, nunca cesa de desarrollarse, destacando su amor por los libros. Estudió Medicina en Filipinas y se licenció en Filosofía y Letras por la Universidad de Harvard en Estados Unidos, siendo en esta época cuando comienza a interesarse e involucrarse con el mundo pictórico influenciado por la escuela de Boston, cuya paleta mostraba colores casi puros enmarcados por un dibujo muy marcado. Así, en 1951 inicia la cátedra de Bellas Artes del Ateneo de Manila. La evolución y necesidad de Zóbel por desarrollar un lenguaje artístico personal, le llevó a explorar el mundo de la abstracción influido por Rothko, o el expresionismo de Pollock o de Kooning, trabajando propuestas no figurativas muy válidas. A ello, es necesario añadir la influencia e interés tan grande que sintió hacia las culturas orientales, acrecentando este afán su participación en una excavación arqueológica china descubierta en la península filipina de Calatagan. Como se decía, la obra de Zóbel, bebe de oriente, tanto es así, que la caligrafía oriental es la que propicia la presencia de líneas sinuosas de gran elegancia, lo cual se aprecia en la obra que nos atañe, en la que se puede apreciar el minucioso y reflexionado trabajo previo. Y es que no hay nada dejado al azar en su pintura de apariencia espontánea, todas contienen un periodo de reflexión y ejecución previa, pues, como decía él: “mi proceso, es el proceso de apunte, dibujo, boceto y cuadro”, una planificación que da lugar a escenografías perfectas formadas por movimiento, líneas, velocidad, espacio y luz. Su obra se encuentra representada en museos de relevancia como el Museo de Arte Contemporáneo Español de Valladolid, el Museo de Bellas Artes de Boston, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Brooklyn Museum of Art de Nueva York, en el Joslyn Art Museum en Omaha (Nebraska), en la Hispanic Society of America, así como en colecciones tales como Chase Manhattan Bank, Colección de Arte AENA de Arte Contemporáneo en Madrid, así como en el Banco Urquijo de Barcelona.
FERNANDO ZÓBEL (Manila, Filipinas, 1924 – Roma, Italia, 1984).
“Los hocinos", 21-11-1979.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en el ángulo derecho. Firmado y titulado al dorso.
Obra referenciada en el catálogo razonado del artista Fernando Zóbel, Ref. 79-78, Pag. 598.
Obra referenciada por Fernando Zóbel en: "El cuaderno de Zóbel, Mancha gris a la derecha".
Medidas: 80 x 100 cm.; 83 x 103 cm. (marco).[+] Show More
https://www.setdart.com/subasta/displayimage/pintura-siglo-xx/pid=351360605.html
En el año 1971 Fernando Zóbel inició un prolífico camino cuyo protagonista indiscutible el paraje natural de Cuenca, y más en detalle las hoces del río Huecar ...y el rio Júcar. Su investigación se extendió durante toda una década, convirtiéndose en un tema recurrente de su pintura, hasta poco antes de su muerte. El artista divisaba este paisaje natural, en todos sus contextos y durante todas las estaciones, captando sus impresiones contemplativas a través del uso de fotografías, acuarelas y bocetos, a partir de los cuales iniciaba obras de mayor envergadura. En esta obra, donde Zóbel inmortalizada "Los hocinos", destaca el uso de los reflejos, y la armonía cromática fundamentada en una gama suave y vaporosa, complementada con elementos lineales, que conforman las dimensiones y el espacio pictórico. Partiendo de una realidad material del paisaje hacia una concepción abstracta del mismo, donde se dan cita elementos dispares como lo ficticio y lo real, o lo pictórico y pictográfico, conformando así una obra de un gran contenido lirico.
Historiador, mecenas, profesor de Universidad o coleccionista, son algunos de los adjetivos correspondientes con la figura de Fernando Zóbel, uno de los pintores más destacados del siglo XX español. La formación y cultivo de su personalidad, nunca cesa de desarrollarse, destacando su amor por los libros. Estudió Medicina en Filipinas y se licenció en Filosofía y Letras por la Universidad de Harvard en Estados Unidos, siendo en esta época cuando comienza a interesarse e involucrarse con el mundo pictórico influenciado por la escuela de Boston, cuya paleta mostraba colores casi puros enmarcados por un dibujo muy marcado. Así, en 1951 inicia la cátedra de Bellas Artes del Ateneo de Manila. La evolución y necesidad de Zóbel por desarrollar un lenguaje artístico personal, le llevó a explorar el mundo de la abstracción influido por Rothko, o el expresionismo de Pollock o de Kooning, trabajando propuestas no figurativas muy válidas. A ello, es necesario añadir la influencia e interés tan grande que sintió hacia las culturas orientales, acrecentando este afán su participación en una excavación arqueológica china descubierta en la península filipina de Calatagan. Como se decía, la obra de Zóbel, bebe de oriente, tanto es así, que la caligrafía oriental es la que propicia la presencia de líneas sinuosas de gran elegancia, lo cual se aprecia en la obra que nos atañe, en la que se puede apreciar el minucioso y reflexionado trabajo previo. Y es que no hay nada dejado al azar en su pintura de apariencia espontánea, todas contienen un periodo de reflexión y ejecución previa, pues, como decía él: “mi proceso, es el proceso de apunte, dibujo, boceto y cuadro”, una planificación que da lugar a escenografías perfectas formadas por movimiento, líneas, velocidad, espacio y luz. Su obra se encuentra representada en museos de relevancia como el Museo de Arte Contemporáneo Español de Valladolid, el Museo de Bellas Artes de Boston, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Brooklyn Museum of Art de Nueva York, en el Joslyn Art Museum en Omaha (Nebraska), en la Hispanic Society of America, así como en colecciones tales como Chase Manhattan Bank, Colección de Arte AENA de Arte Contemporáneo en Madrid, así como en el Banco Urquijo de Barcelona.
FERNANDO ZÓBEL (Manila, Filipinas, 1924 – Roma, Italia, 1984).
“Los hocinos", 21-11-1979.
Óleo sobre lienzo.
Firmado en el ángulo derecho. Firmado y titulado al dorso.
Obra referenciada en el catálogo razonado del artista Fernando Zóbel, Ref. 79-78, Pag. 598.
Obra referenciada por Fernando Zóbel en: "El cuaderno de Zóbel, Mancha gris a la derecha".
Medidas: 80 x 100 cm.; 83 x 103 cm. (marco).[+] Show More
MANOLO VALDÉS BLASCO “Dama ibérica”, 2003.
Subasta 9 de julio
https://www.setdart.com/subasta/displayimage/escultura/pid=351366906.html
El modelo original de la “Dama Ibérica” de Valdés es una escultura compuesta por 22.000 cabezas cerámicas azules, de 20 cm, montadas sobre una estructura metálica. La ...escultura, colocada en el centro de una fuente, tiene 18 m de altura sobre un pedestal de hormigón, y las piezas laterales tienen 16 m de diámetro. Está ubicada en Valencia, en el cruce de la Avenida de Las Cortes Valencianas y la calle La Safor. Fue inaugurada en febrero de 2007, y su ejecución fue posible gracias al acuerdo de mecenazgo firmado por el Ayuntamiento de Valencia, Manolo Valdés y los promotores Lladró y Vallehermoso.
Según palabras de Rafael Rivera, “La Dama Ibérica de Manolo Valdés es una escultura de esculturas, una pieza compuesta por otras piezas cerámicas azules, de menor tamaño pero de formalización semejante colocadas con un orden oculto hasta componer la pieza mayor. Todas son anónimas, idénticas, pero imprescindibles. La luz, el reflejo, el color, la transparencia, el vacío, son los otros elementos, incorpóreos, que componen muchas esculturas dentro de la escultura, diferentes imágenes que nos hablan del día y la noche, del sol y la luna, del alba y del atardecer. Ninguna mirada es igual a cualquier otra, ninguna percepción puede repetirse, y siempre que levantemos la cabeza para contemplarla tendremos la impresión de verla por primera vez”.
Manolo Valdés fue el introductor en España de una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía. Inició su formación en 1957, año en que ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. No obstante, dos años después abandona los estudios para dedicarse plenamente a la pintura. En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica, junto a Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, en el cual permaneció hasta la muerte del segundo, en 1981, pese al hecho de que Toledo había abandona el grupo a los dos años de su fundación. Desde entonces se estableció en Nueva York, ciudad en la que reside actualmente y donde ha seguido experimentando con las nuevas formas de expresión, incluyendo la escultura. Entre los numerosos galardones que ha obtenido Manolo Valdés destacan los Lissone y Biella de Milán (1965), la medalla de la plata de la II Bienal Internacional de Grabados de Tokio (1979), el premio del Museo de Arte Bridgestone en Lisboa (1979), el Premio Nacional de Artes Plásticas (1983), la medalla del Festival Internacional de Artistas Plásticos de Bagdad (1986), la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en Venezuela (1993), el premio del Consejo Nacional de Mónaco (1997), la Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes (1998), el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte (2000) y el Premio al Mejor Artista de Estampa (2002), entre otros. Con el Equipo Crónica, Valdés se sirvió de la figuración como vehículo de expresión para sus planteamientos, para sus críticas al arte, la sociedad y la política, pero primando por encima de cualquier otro contenido el puro acto de pintar. Desde el punto de vista temático, Valdés se inspira en el arte de los grandes maestros de la pintura: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera o Zurbarán, y nunca oculta sus modelos, sino que más bien los subraya, incluso en los títulos de sus obras. Formalmente, realiza una obra de gran formato en la que las luces y los colores expresan valores táctiles, debido al tratamiento dado a los materiales. Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte. Valdés está representado en algunos de los museos más destacados de todo el mundo, como el Reina Sofía de Madrid, el Metropolitan, el MoMA y el Guggenheim de Nueva York, el Centro Georges Pompidou y el Fons National d’Arts Plastiques de París, la Kusnthalle de Hamburgo, el Kunstmuseum de Berlín y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre muchos otros.[+] Show More
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El modelo original de la “Dama Ibérica” de Valdés es una escultura compuesta por 22.000 cabezas cerámicas azules, de 20 cm, montadas sobre una estructura metálica. La ...escultura, colocada en el centro de una fuente, tiene 18 m de altura sobre un pedestal de hormigón, y las piezas laterales tienen 16 m de diámetro. Está ubicada en Valencia, en el cruce de la Avenida de Las Cortes Valencianas y la calle La Safor. Fue inaugurada en febrero de 2007, y su ejecución fue posible gracias al acuerdo de mecenazgo firmado por el Ayuntamiento de Valencia, Manolo Valdés y los promotores Lladró y Vallehermoso.
Según palabras de Rafael Rivera, “La Dama Ibérica de Manolo Valdés es una escultura de esculturas, una pieza compuesta por otras piezas cerámicas azules, de menor tamaño pero de formalización semejante colocadas con un orden oculto hasta componer la pieza mayor. Todas son anónimas, idénticas, pero imprescindibles. La luz, el reflejo, el color, la transparencia, el vacío, son los otros elementos, incorpóreos, que componen muchas esculturas dentro de la escultura, diferentes imágenes que nos hablan del día y la noche, del sol y la luna, del alba y del atardecer. Ninguna mirada es igual a cualquier otra, ninguna percepción puede repetirse, y siempre que levantemos la cabeza para contemplarla tendremos la impresión de verla por primera vez”.
Manolo Valdés fue el introductor en España de una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía. Inició su formación en 1957, año en que ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. No obstante, dos años después abandona los estudios para dedicarse plenamente a la pintura. En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica, junto a Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, en el cual permaneció hasta la muerte del segundo, en 1981, pese al hecho de que Toledo había abandona el grupo a los dos años de su fundación. Desde entonces se estableció en Nueva York, ciudad en la que reside actualmente y donde ha seguido experimentando con las nuevas formas de expresión, incluyendo la escultura. Entre los numerosos galardones que ha obtenido Manolo Valdés destacan los Lissone y Biella de Milán (1965), la medalla de la plata de la II Bienal Internacional de Grabados de Tokio (1979), el premio del Museo de Arte Bridgestone en Lisboa (1979), el Premio Nacional de Artes Plásticas (1983), la medalla del Festival Internacional de Artistas Plásticos de Bagdad (1986), la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en Venezuela (1993), el premio del Consejo Nacional de Mónaco (1997), la Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes (1998), el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte (2000) y el Premio al Mejor Artista de Estampa (2002), entre otros. Con el Equipo Crónica, Valdés se sirvió de la figuración como vehículo de expresión para sus planteamientos, para sus críticas al arte, la sociedad y la política, pero primando por encima de cualquier otro contenido el puro acto de pintar. Desde el punto de vista temático, Valdés se inspira en el arte de los grandes maestros de la pintura: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera o Zurbarán, y nunca oculta sus modelos, sino que más bien los subraya, incluso en los títulos de sus obras. Formalmente, realiza una obra de gran formato en la que las luces y los colores expresan valores táctiles, debido al tratamiento dado a los materiales. Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte. Valdés está representado en algunos de los museos más destacados de todo el mundo, como el Reina Sofía de Madrid, el Metropolitan, el MoMA y el Guggenheim de Nueva York, el Centro Georges Pompidou y el Fons National d’Arts Plastiques de París, la Kusnthalle de Hamburgo, el Kunstmuseum de Berlín y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre muchos otros.[+] Show More
Tarrassó y el Fauvismo: Subasta de 'Creaciones Sensitivas
Descubre la obra 'Creaciones Sensitivas' de Casimiro Martínez Tarrassó, una pieza vibrante de 1972 que refleja la profunda influencia del fauvismo en su arte. Esta obra muestra el uso exuberante ...del color, una visión sensorial del paisaje, y una naturaleza autónoma y salvaje. ¡No te pierdas la oportunidad de adquirir esta joya en nuestra próxima subasta![+] Show More